La Jetée- Chris Marker

"La Jetée"
Chris Marker

Esta obra es un cortometraje de 1962 en el que se nos muestra la historia de unos experimentos que se realizan en París, después de la Tercera Guerra Mundial.

Estos experimentos se comienzan a hacer con la finalidad de enviar a hombres al pasado y al futuro para de alguna forma poder rescatar el presente. Un hombre es tomado como prisionero y comienzan a realizar experimentos con él.

Algo que me llamó la atención del video es que haciendo eso se dan cuenta de que no es posible lograr distinguir las memorias del tiempo vivido hasta que pasa el tiempo y se pueden recordar como cicatrices. Encontré relación con esto porque es algo que es muy cierto pero nunca lo había pensado, no había reflexionado en la manera en la que creamos recuerdos por medio del sufrimiento y aquello que nos marca. Otro factor que encontré en el video es que de alguna manera no se puede escapar del tiempo. Se trata el concepto de memoria y de imagen.

En este cortometraje se comienza a construir un tiempo por medio de las fotografías que nos narran en presente, el pasado y un tiempo en la memoria del hombre que crea un presente distinto del que vive cuando está fuera del experimento.

"Film" Samuel Beckett

"Film"
Samuel Beckett

Este cortometraje fue creado en el año de 1966 por el director Alan Schneider y el guión fue creado por Samuel Beckett.

Creo que el tema que más me pareció interesante cuando terminé de ver el video fue la manera en la que se trata al sujeto observador que podría ser vista también como una mirada vigilante.

La mirada vigilante como algo anónimo o desconocido me llama mucho la atención porque de cierta forma pienso que es un tema que nos rodea en la actualidad. El sujeto que nos observa todo el tiempo aunque lo sepamos o no es un fenómeno que hemos creado y que actualmente permitimos por medio de todas las redes sociales. En cierta forma le abrimos la puerta de nuestra intimidad a esa mirada que nos vigila y que hace lo que quiere con aquello que observa de nosotros.

El personaje principal de alguna manera intenta huir de todas las miradas que lo rodean y eso me hace pensar si en algún futuro nosotros nos encontraremos igual, cansados de compartir nuestra intimidad con todas las personas a las que les damos acceso, pretendamos huir y dejar de ser vistos y tener la posibilidad de existir realmente.

 

"Reel Unreel" Francis Alys

"Reel Unreel" 

Francis Alys

La obra es presentada a nosotros por medio de un video en el que observamos como  escenario un país que aún sin saber de cuál se trata, podemos darnos cuenta de que es un país en estado bélico. (Afganistán)

Todo el video vemos a niños pequeños que se encuentran jugando con rollos de cámaras cinematográficas, los lanzan por el piso y mientras uno lo empuja para que éste no se caiga y continue   rodando, varios niños corren tras de él. Me parece interesante pensar en que al tiempo en que el rollo va trazando su camino mientras permanece en el piso la cámara que va grabando y de cierta forma documentando todo, hace también el mismo recorrido. Es la creación de una película por medio de la filmación del transcurso de otra película.

Otro factor que encuentro interesante de esta obra es el hecho de que se revivifica totalmente a los objetos, los rollos cobran otro sentido y otro uso al que tienen normalmente. Tomas el lugar de juguetes que ayudan a los niños a trazar nuevas rutas sobre aquellas que caminan de manera cotidiana. En cierta forma me parece también una instrucción de lo irreal por medio de lo real, de crear una realidad alterna al mismo tiempo que realizan un viaje por el suelo de su hogar. 

El rollo también es una representación de la memoria, de aquello que guarda las imágenes que alguien decide poner dentro de él. Es aquí en donde pienso en ese juego de los niños como una especie de reconstrucción de la memoria por medio de unirla con el espacio presente. 

Night Soil – Fake Paradise

Universidad del Claustro de Sor Juana
Colegio de Arte y Cultura
Historia del Arte
Taller de Crítica
Mariana Tapia Sánchez
Grupo: EHA 5A

Night Soil-Fake Paradise de Melanie Bonajo

Esta obra performativa es una de las que conforman la trilogía de documentales cortos que realizó la artista con una temática específica; la cual tiene como objetivo exponer con esta serie el lado perverso del capitalismo y las estructuras patriarcales que rigen la mayoría de la concepción de la sociedad en el mundo. Fake Paradise considera y explora las alternativas medicinales de la ayahuasca, una planta del Amazonas que es considerada no sólo como una droga, sino como la posibilidad de entrada al mundo espiritual por sus propiedades psicodélicas. Además, en la obra se incluyen algunas historias personales relativas a esta planta, se introducen  distintas perspectivas sobre su uso, y en este aspecto, la voz de una mujer como fondo funge como narradora.

She Gone Rogue

La comunidad gay cada vez se hace más presente en la vida cotidiana, pues desde los clubes más recónditos del mundo, expresiones propias de su comunidad como las Drag Queens han tomado fama, incluso entre las personas heterosexuales. La necesidad de aceptación e inclusión es más notoria, ya que, a pesar de que en la actualidad un mayor porcentaje de gente en el mundo les acepta, aún queda parte de la población que llega a tener conflicto con lo queer y con poner en tela de juicio la conocida ideología de género.
Rhys Ernst junto a Zackary Drucker (pareja trans), realizan este cortometraje llamado She Gone Rogue, donde Zackary (mujer trans en la vida real), pasa por una travesía de cambio y aceptación de lo que es, interpretando a Darling. Nos enfrentamos a su pasado, a su presente y su futuro; se nos muestran diferentes escenarios y objetos referentes a la cultura LGTB, desde lo kitsch hasta lo más genuino de su comunidad.
Rhys y Zackary ya se habían enfrentado al arte, plasmando su transición en una serie de fotografías, por lo que realizar otra obra referente a la transición y el proceso interno que se vive, no es novedad. Me parece que el trabajo en conjunto de ambos artistas es excelso, y bien llevado; la elección de nombres, personajes y la narrativa, vuelven el cortometraje de interés y forman otra concepción en el espectador, pues a veces estos procesos de cambio no son tan sencillos, y desafiar el género y el sexo que se nos da desde que nacemos, tampoco lo es.
La obra es una clara autobiografía de ambos artistas, al conocer el contexto en el cual se desenvolvieron y su pasado, se deja claro. Es bueno ver que la comunidad LGBT cada vez se incluya más dentro del ámbito artístico, y que su desenvolvimiento social sea más fácil.

Memoria Devastada

Desde fotografía hasta instalación, la exposición de Memoria Devastada deja un sabor de boca extraño que incrementa al termino de la misma. No por culpa de los artistas, sino del equipo de museógrafos y curadores que decidieron que era buena idea poner a ambas artistas en la misma explosión, pues en mi opinión, el único argumento viable que pudieron utilizar para colocarlas a ambas es el de "rescatar materiales y reinterpretarlos", pero sus obras y sus discursos, difieren completamente.
Cecilia Hurtado nos muestra una serie de fotografías, de las cuales, la mitad fueron tomadas por la joven artista mientras que la otra mitad, fueron recuperadas de archivos. A su vez, muestra un video en el cual quema fotografías del Ángel de la independencia en México, mostrando cómo lentamente se queman y destruyen pero a su vez, se rehacen. Mientras que en otro lado de la habitación, retratos de personas se mezclan y difuminan lentamente con la muerte. El camino que toma Hurtado en su obra se dirige a la reinterpretación de archivo, donde una fotografía de hace tiempo, puede tomarse de distintas maneras.
Miriam Salado va más por la idea de rescatar el ambiente, y mediante objetos naturales que se ha encontrado intervenidos por el ser humano, mostrarnos los pros y contras. Me parece la parte de la exposición más confusa, pues las obras presentadas por la artista llegan a sentirse inconclusas y sin coherencia unas con otras.
 La segunda instalación a mi parecer era la más impactante era la de madera que se convertía poco a poco en esculturas kitsch, que se vendían a turistas en alguna parte de México.  Mientras que la primera, no transmitía su mensaje. Me parece que la culpa la tiene el material que eligió la artista, pues utiliza vaciados de yeso que forman el caparazón de una tortuga. Tal vez el utilizar los caparazones reales que encontraba no era la mejor idea, pero probablemente estilizar el yeso (ya que mostró en varios dibujos que tiene técnica) no iba de más, y no saltaría tanto esta instalación.
Una mejor elección de obras por parte del equipo de la celda contemporánea y por parte de las artistas me hubiese parecido más pertinente y hasta cierto punto coherente. El video presentado por Cecilia y la instalación de madera de Miriam me parecen las obras más impactantes, y chequear individualmente a cada artista nos puede dar otro panorama.

Fake Paradise

Fake Paradise de Melanie Bonajo fue comentada como una obra ambivalente, bien podía tomarse su discurso como una crítica social en contra del uso de drogas para evadir la realidad o como la exposición del uso de drogas como forma de resistencia a la modernidad capitalista y modo de reconexión con el mundo.

Una perspectiva indeterminada, que concede ambas posibilidades parece insostenible cuando ponemos atención a la construcción del video. Desde el título del mismo ya podemos prever más una actitud crítica que una expositiva.

El video comienza con una estética y discurso propios del documental, tomando testimonios y con un trabajo casi antropológico en que la artista experimenta en primera persona el mundo que pretende presentarnos. Rápidamente se pasa de esto a una actitud satírica cada vez más evidente, comenzando con el testimonio de la “conversa”, que pasa del no creer a la creencia exagerada y hallando su clímax en el tweerking contra los árboles o las plantas parlantes.

La artista se apropia de la cultura de masas propia de la juventud norteamericana, que podemos entender al estilo de Adorno y Horkheimer como vaciamiento del sujeto, su completa entrega a la estructura de la industria cultural, y nos la presenta como una red de banalidad, de reducción esteticista que conecta en todas sus ramificaciones con la cultura de las drogas.

Este tema que nos presenta la artista, la evasión de la realidad más allá de una de sus expresiones que es la cultura de las drogas, es un tema de la más alta pertinencia actual cuando analizamos las consecuencias que ha representado para la sociedad norteamericana, siendo las peores: el narcotráfico y la indiferencia política. Esta última como se ha visto en las últimas elecciones, que tuvieron una participación mínima por parte de los llamados millenials dio como resultado la victoria del candidato republicano, el cual no se ha visto como otra cosa, que una amenaza incluso para el país que representa.