La Jetée- Chris Marker

"La Jetée"
Chris Marker

Esta obra es un cortometraje de 1962 en el que se nos muestra la historia de unos experimentos que se realizan en París, después de la Tercera Guerra Mundial.

Estos experimentos se comienzan a hacer con la finalidad de enviar a hombres al pasado y al futuro para de alguna forma poder rescatar el presente. Un hombre es tomado como prisionero y comienzan a realizar experimentos con él.

Algo que me llamó la atención del video es que haciendo eso se dan cuenta de que no es posible lograr distinguir las memorias del tiempo vivido hasta que pasa el tiempo y se pueden recordar como cicatrices. Encontré relación con esto porque es algo que es muy cierto pero nunca lo había pensado, no había reflexionado en la manera en la que creamos recuerdos por medio del sufrimiento y aquello que nos marca. Otro factor que encontré en el video es que de alguna manera no se puede escapar del tiempo. Se trata el concepto de memoria y de imagen.

En este cortometraje se comienza a construir un tiempo por medio de las fotografías que nos narran en presente, el pasado y un tiempo en la memoria del hombre que crea un presente distinto del que vive cuando está fuera del experimento.

"Film" Samuel Beckett

"Film"
Samuel Beckett

Este cortometraje fue creado en el año de 1966 por el director Alan Schneider y el guión fue creado por Samuel Beckett.

Creo que el tema que más me pareció interesante cuando terminé de ver el video fue la manera en la que se trata al sujeto observador que podría ser vista también como una mirada vigilante.

La mirada vigilante como algo anónimo o desconocido me llama mucho la atención porque de cierta forma pienso que es un tema que nos rodea en la actualidad. El sujeto que nos observa todo el tiempo aunque lo sepamos o no es un fenómeno que hemos creado y que actualmente permitimos por medio de todas las redes sociales. En cierta forma le abrimos la puerta de nuestra intimidad a esa mirada que nos vigila y que hace lo que quiere con aquello que observa de nosotros.

El personaje principal de alguna manera intenta huir de todas las miradas que lo rodean y eso me hace pensar si en algún futuro nosotros nos encontraremos igual, cansados de compartir nuestra intimidad con todas las personas a las que les damos acceso, pretendamos huir y dejar de ser vistos y tener la posibilidad de existir realmente.

 

"Reel Unreel" Francis Alys

"Reel Unreel" 

Francis Alys

La obra es presentada a nosotros por medio de un video en el que observamos como  escenario un país que aún sin saber de cuál se trata, podemos darnos cuenta de que es un país en estado bélico. (Afganistán)

Todo el video vemos a niños pequeños que se encuentran jugando con rollos de cámaras cinematográficas, los lanzan por el piso y mientras uno lo empuja para que éste no se caiga y continue   rodando, varios niños corren tras de él. Me parece interesante pensar en que al tiempo en que el rollo va trazando su camino mientras permanece en el piso la cámara que va grabando y de cierta forma documentando todo, hace también el mismo recorrido. Es la creación de una película por medio de la filmación del transcurso de otra película.

Otro factor que encuentro interesante de esta obra es el hecho de que se revivifica totalmente a los objetos, los rollos cobran otro sentido y otro uso al que tienen normalmente. Tomas el lugar de juguetes que ayudan a los niños a trazar nuevas rutas sobre aquellas que caminan de manera cotidiana. En cierta forma me parece también una instrucción de lo irreal por medio de lo real, de crear una realidad alterna al mismo tiempo que realizan un viaje por el suelo de su hogar. 

El rollo también es una representación de la memoria, de aquello que guarda las imágenes que alguien decide poner dentro de él. Es aquí en donde pienso en ese juego de los niños como una especie de reconstrucción de la memoria por medio de unirla con el espacio presente. 

Night Soil – Fake Paradise

Universidad del Claustro de Sor Juana
Colegio de Arte y Cultura
Historia del Arte
Taller de Crítica
Mariana Tapia Sánchez
Grupo: EHA 5A

Night Soil-Fake Paradise de Melanie Bonajo

Esta obra performativa es una de las que conforman la trilogía de documentales cortos que realizó la artista con una temática específica; la cual tiene como objetivo exponer con esta serie el lado perverso del capitalismo y las estructuras patriarcales que rigen la mayoría de la concepción de la sociedad en el mundo. Fake Paradise considera y explora las alternativas medicinales de la ayahuasca, una planta del Amazonas que es considerada no sólo como una droga, sino como la posibilidad de entrada al mundo espiritual por sus propiedades psicodélicas. Además, en la obra se incluyen algunas historias personales relativas a esta planta, se introducen  distintas perspectivas sobre su uso, y en este aspecto, la voz de una mujer como fondo funge como narradora.

She Gone Rogue

La comunidad gay cada vez se hace más presente en la vida cotidiana, pues desde los clubes más recónditos del mundo, expresiones propias de su comunidad como las Drag Queens han tomado fama, incluso entre las personas heterosexuales. La necesidad de aceptación e inclusión es más notoria, ya que, a pesar de que en la actualidad un mayor porcentaje de gente en el mundo les acepta, aún queda parte de la población que llega a tener conflicto con lo queer y con poner en tela de juicio la conocida ideología de género.
Rhys Ernst junto a Zackary Drucker (pareja trans), realizan este cortometraje llamado She Gone Rogue, donde Zackary (mujer trans en la vida real), pasa por una travesía de cambio y aceptación de lo que es, interpretando a Darling. Nos enfrentamos a su pasado, a su presente y su futuro; se nos muestran diferentes escenarios y objetos referentes a la cultura LGTB, desde lo kitsch hasta lo más genuino de su comunidad.
Rhys y Zackary ya se habían enfrentado al arte, plasmando su transición en una serie de fotografías, por lo que realizar otra obra referente a la transición y el proceso interno que se vive, no es novedad. Me parece que el trabajo en conjunto de ambos artistas es excelso, y bien llevado; la elección de nombres, personajes y la narrativa, vuelven el cortometraje de interés y forman otra concepción en el espectador, pues a veces estos procesos de cambio no son tan sencillos, y desafiar el género y el sexo que se nos da desde que nacemos, tampoco lo es.
La obra es una clara autobiografía de ambos artistas, al conocer el contexto en el cual se desenvolvieron y su pasado, se deja claro. Es bueno ver que la comunidad LGBT cada vez se incluya más dentro del ámbito artístico, y que su desenvolvimiento social sea más fácil.

Memoria Devastada

Desde fotografía hasta instalación, la exposición de Memoria Devastada deja un sabor de boca extraño que incrementa al termino de la misma. No por culpa de los artistas, sino del equipo de museógrafos y curadores que decidieron que era buena idea poner a ambas artistas en la misma explosión, pues en mi opinión, el único argumento viable que pudieron utilizar para colocarlas a ambas es el de "rescatar materiales y reinterpretarlos", pero sus obras y sus discursos, difieren completamente.
Cecilia Hurtado nos muestra una serie de fotografías, de las cuales, la mitad fueron tomadas por la joven artista mientras que la otra mitad, fueron recuperadas de archivos. A su vez, muestra un video en el cual quema fotografías del Ángel de la independencia en México, mostrando cómo lentamente se queman y destruyen pero a su vez, se rehacen. Mientras que en otro lado de la habitación, retratos de personas se mezclan y difuminan lentamente con la muerte. El camino que toma Hurtado en su obra se dirige a la reinterpretación de archivo, donde una fotografía de hace tiempo, puede tomarse de distintas maneras.
Miriam Salado va más por la idea de rescatar el ambiente, y mediante objetos naturales que se ha encontrado intervenidos por el ser humano, mostrarnos los pros y contras. Me parece la parte de la exposición más confusa, pues las obras presentadas por la artista llegan a sentirse inconclusas y sin coherencia unas con otras.
 La segunda instalación a mi parecer era la más impactante era la de madera que se convertía poco a poco en esculturas kitsch, que se vendían a turistas en alguna parte de México.  Mientras que la primera, no transmitía su mensaje. Me parece que la culpa la tiene el material que eligió la artista, pues utiliza vaciados de yeso que forman el caparazón de una tortuga. Tal vez el utilizar los caparazones reales que encontraba no era la mejor idea, pero probablemente estilizar el yeso (ya que mostró en varios dibujos que tiene técnica) no iba de más, y no saltaría tanto esta instalación.
Una mejor elección de obras por parte del equipo de la celda contemporánea y por parte de las artistas me hubiese parecido más pertinente y hasta cierto punto coherente. El video presentado por Cecilia y la instalación de madera de Miriam me parecen las obras más impactantes, y chequear individualmente a cada artista nos puede dar otro panorama.

Fake Paradise

Fake Paradise de Melanie Bonajo fue comentada como una obra ambivalente, bien podía tomarse su discurso como una crítica social en contra del uso de drogas para evadir la realidad o como la exposición del uso de drogas como forma de resistencia a la modernidad capitalista y modo de reconexión con el mundo.

Una perspectiva indeterminada, que concede ambas posibilidades parece insostenible cuando ponemos atención a la construcción del video. Desde el título del mismo ya podemos prever más una actitud crítica que una expositiva.

El video comienza con una estética y discurso propios del documental, tomando testimonios y con un trabajo casi antropológico en que la artista experimenta en primera persona el mundo que pretende presentarnos. Rápidamente se pasa de esto a una actitud satírica cada vez más evidente, comenzando con el testimonio de la “conversa”, que pasa del no creer a la creencia exagerada y hallando su clímax en el tweerking contra los árboles o las plantas parlantes.

La artista se apropia de la cultura de masas propia de la juventud norteamericana, que podemos entender al estilo de Adorno y Horkheimer como vaciamiento del sujeto, su completa entrega a la estructura de la industria cultural, y nos la presenta como una red de banalidad, de reducción esteticista que conecta en todas sus ramificaciones con la cultura de las drogas.

Este tema que nos presenta la artista, la evasión de la realidad más allá de una de sus expresiones que es la cultura de las drogas, es un tema de la más alta pertinencia actual cuando analizamos las consecuencias que ha representado para la sociedad norteamericana, siendo las peores: el narcotráfico y la indiferencia política. Esta última como se ha visto en las últimas elecciones, que tuvieron una participación mínima por parte de los llamados millenials dio como resultado la victoria del candidato republicano, el cual no se ha visto como otra cosa, que una amenaza incluso para el país que representa.

OROXXO

El llamado “OROXXO” se ha convertido, desde su inauguración en una pieza paradigmática para el arte contemporáneo mexicano y la producción de Gabriel Orozco. La pieza pretende formular una crítica a la modernidad capitalista expresada en el mercado del arte.

El funcionamiento interno de la pieza se basa en la intervención de productos de consumo cotidiano con unos logos provenientes del trabajo gráfico del artista. Estos productos están instalados al interior de la simulación de una tienda de conveniencia OXXO, propiedad de grupo FEMSA. El precio de venta de las unidades intervenidas es el promedio que Gabriel Orozco alcanza en el mercado del arte (30,000 USD) con un decremento exponencial a partir de la venta de lotes completos; de esta manera el artista pretende que los primeros compradores subsidien a los siguientes, quienes podrán tener acceso a una pieza original de Orozco por un precio de hasta 60 USD.

La obra, desde mi punto de vista, tiene algunas incoherencias discursivas. La primera de ellas está en la base misma de la pieza, donde se opta por un “patrocinio” de parte de FEMSA, construyendo la obra en la simulación de una tienda OXXO. El artista y la galería argumentan en el texto curatorial, que dicha elección tiene por objetivo jugar con un elemento icónico de la cultura mexicana contemporánea; sin embargo, como se ha apuntado en otros comentarios sobre la obra, esto no es otra cosa que un ganar-ganar, más que una crítica a la modernidad capitalista es la intromisión agresiva de la misma a la historia del arte. El juego con lo icónico también se puede poner en duda, pues se presenta con intención de crítica este “juego”, alrededor de la intromisión capitalista en el imaginario colectivo mexicano; más que crítica es un reforzamiento de la misma.

Por otro lado, los productos en venta, más que ser presentados como la penetración del arte en la vida cotidiana es la diferenciación definitiva entre ambos mundos. En un espacio que podemos reconocer como público en el sentido más amplio de la palabra, se genera una fuerte división alrededor del poder adquisitivo. Los coleccionistas se diferencian de los simples espectadores por los productos con que salen de la galería.  

Memoria devastada (Celda contemporánea)- Mariana Tapia

Universidad del Claustro de Sor Juana

Colegio de Arte y Cultura

Historia del Arte

Taller de Crítica

Mariana Tapia Sánchez

Grupo: EHA 5-A

Crítica de la exposición: "Memoria devastada" de Cecilia Hurtado y Miriam Salado en la 

Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana 

La materialización de la ausencia en la instalación de Miriam Salado

En la actualidad y desde hace algunas décadas, el arte contemporáneo se ha mostrado ante los artistas como un campo abierto a la experimentación, las posibilidades y al juego con la materia y el concepto;  sin embargo,aún existen  conflictos que el arte contemporáneo no ha podido erradicar de manera definitiva, como denunciar  de manera realmente eficaz la explotación desmesurada de los recursos naturales y algunas problemáticas en cuestión del género humano.  Tampoco es mera coincidencia que la inauguración de esta exposición fuera celebrada el  día 8 de Marzo, en el día internacional de la mujer.;"Memoria Devastada"reúne obras en materia fotográfica, multimedia, dibujo e instalación. Los temas abordados en esta son: la naturaleza, y cómo el hombre ha generado la destrucción de esta por motivos capitalistas y banales: y  la materia, que permanece inmóvil  a manera de testimonio; lo anterior es visible en las fotografías y  el video de Cecilia Hurtado, quien en su obra parte de la idea de lo efímera que es la materia.Por otra parte, Miriam Salado manifiesta una propuesta un poco diferente con sus dos instalaciones y su serie de dibujos, los cuales constituyen una llamada de atención a la raza humana por olvidar la importancia de la conservación de sus raíces en la naturaleza.Puede que la instalación más imponente de Salado, haya sido la de sus "Esqueletos de caparazón de tortuga"; a simple vista y si la instalación se ve de lejos, el espectador podría pensar que los esqueletos de caparazón son simples figuras de yeso, productos de un molde cualquiera; pero el acercamiento a esta obra es la clave para descubrir que ese pedazo de sala en que están instalados los caparazones, en realidad es un espacio que queda subordinado a estos,los cuales generan una atmósfera fantasmagórica  que invita a la reflexión.Esta pieza en especial, es de aquellas que hacen valorar el papel del curador en una exposición o un museo.Pero dejando de lado el aspecto formal de la instalación, y retomando el significado simbólico de la obra,Salado realizó un trabajo espectacular con la concreción de su mensaje, ya que materializó la ausencia por medio de emplear el caparazón vacío de las tortugas como molde;este último aspecto es tan macabro como fascinante, ya que hace tangible el vacío que alguna vez fue ocupado por magníficos seres que nunca sospecharon del carácter despiadado de aquella "especie  supra-desarrollada" llamada hombre.

Fake Paradise

Melanie Bonajo nos entrega un video donde a modo de documental, nos muestra los diferentes modos de relacionarse con la naturaleza y el mundo a través de las drogas. Se realizan varias entrevistas a este grupo de personas, donde explican cómo ha sido su proceso anti capitalista y reivindicador del vínculo con lo natural. Mostrando sus rituales y maneras de comportarse, la artista nos adentra a su mundo que, desde un principio choca con la manera en la que nos desenvolvemos cotidianamente e incluso la manera en la que tratamos a la naturaleza.

El propósito de la artista al final del video llega a ser confuso, pues cierra con un número musical que se podría considerar como una burla a todo lo anteriormente representado. Oscilando entre la sátira, burla y crítica, y lo real, la documentación y la presentación de evidencia, el espectador no sabe al finalizar el video a qué fue lo que se enfrentó. ¿Todo eso era real? O era una crítica más a todas esas personas que critican el sistema y el modo capitalista de vida, pero al final, terminan despegándose de la misma realidad.Con base al título, a lo presentado y a la escena final, optaría porque la obra es una burla a cierto tipo de personas que, a pesar de sus críticas donde apuntan que gracias a la tecnología y al consumismo el ser humano se pierde de una realidad que se encuentra ahí fuera, pero que al final, ellos mismos se desapegan de la misma manera, a través de las drogas.

La ejecución cinematográfica me pareció elocuente, pues a pesar de ser una burla, llega un momento donde efectivamente crees que se entrevista a personas que realmente acceden a ese tipo de rituales a través de las drogas. Las tomas, y la secuencia ayudan a comprender y digerir el video, especialmente la final, donde queda comprobado el tono de burla que el artista entregó.

Memoria devastada

Memoria Devastada nos presenta el diálogo entre dos artistas mexicanas, teniendo como eje, la recuperación y re significación de materiales a través de sus procesos artísticos. Una relación, desde mi punto de vista, muy mal lograda.

El trabajo de Cecilia Hurtado se sumerge en archivos de distintas índoles que pone en relación del suyo, personal. Sus preocupaciones versan acerca de la apropiación de distintos fenómenos y la memoria como agente, no pasivo sino productivo.

Por otro lado Miriam Salado se preocupa por las consecuencias que distintos restos materiales tienen para el medio ambiente de comunidades específicas. Las obras, cuya fortaleza es la expresión formal, buscar generar conciencia en el espectador de la presencia de dichos residuos y motivar la reflexión al respecto.

El argumento dialógico sobre la recuperación y resignificación de recursos se cae, pues esta acción, tanto en Hurtado y más aún en Salado, no es el fin de la obra sino un medio para la construcción de la misma. Cuando damos esa lectura nos damos cuenta que ese mismo recurso creativo, es propio de un sin fin de producciones artísticas; el problema se acentúa cuando las preocupaciones y las últimas consecuencias de estas artistas, apuntan a situaciones tan distintas entre ellas que el diálogo no se realiza.

La indisociable se manifiesta incluso en el espacio, las obras no dialogan al interior de la sala, se les asigna espacios distintos, se forma entonces núcleos expositivos, espacios interiores y no un recorrido orgánico.

Them

El trabajo de Zdzisław Beksínski en la obra Them podríamos denominarla como una expresión de la estética relacional, aunque una muy particular sin duda, pues no parte de la convivencia como fin de la obra, sino como un presupuesto al cual hay que poner a prueba. Dicha convivencia es la de las múltiples ideologías al interior de Polonia, comparten una nación todos los días pero su relación es más bien abstracta, huye a la concreción del frente a frente y a través de ella se medirá la tensión tanto simbólica como física.

La primera sesión que nos presenta el artista, podríamos denominarla de identificación simbólica. Los participantes nos presentan cómo se ven a sí mismos, expresan sus ideales de manera plástica. Este es un paso importante porque nos muestra la realidad concreta de la ideología y es que ésta no permanece como mera abstracción o ideal. Hace patente la naturaleza dialéctica entre la idea y la materia.

El conflicto entre los distintos grupos es una expresión de eso, de cómo la ideología siempre está presente en nuestras acciones y en la política, en este caso de un espacio experimental, pero finalmente cotidiana, no la de las grandes instituciones o poderes, se pone en juego. La ideología no existe sin su correlato material pues es la única forma en que se hace manifiesta, la pura abstracción no sólo es una especie de charlatanería sino meramente inconcebible.

She Gone Rogue

La obra de She Gone Roge es de una construcción por demás interesante. Los recursos estéticos y culturales que nutren a la obra son lo más popular y kitsch de la sociedad LGBTTI, uno no puede mirar la obra sin identificar y remitirse a la misma, más allá del título, la estética desde la primera escena, confirma el contenido total.

Por otro lado, lo interesante se halla en la intención de recrear una vida de conciencia personal, muy particular. Los recursos que utiliza para contar esta subjetividad, los objetos de recuerdo, detonadores de emociones, etc. aparentan ser un lenguaje críptico, al menos en la medida que sólo el personaje logra dotar de sentido y desentrañar todo lo que en él se contiene, mientras que uno como espectador capta de una manera indirecta y general.

Ese misterio, más que ser perjudicial para la comunicación de la pieza se vuelve su centro, los procesos internos de una persona transgénero y en general de cualquiera, son incomunicables; podemos sentir empatía ante la situación del otro, pero esta es más bien limitada, no alcanza la totalidad de la vivencia.

Al mismo tiempo eso inaccesible nos atrae, nos mantiene en constante intento de llegar más allá, acercarnos al otro, reconocerlo en nuestra experiencia y a nosotros en lo de él. La relación del espectador con la obra es entonces una de tipo casi humana, contiene ese efecto cinematográfico de superposición de la ficción en la realidad, donde ya no empatizas con la pieza o el artista sino directamente con el personaje y es desde ahí que se emite el juicio hacia la obra.

Them

Juntar a un grupo de personas con diferentes ideologías  puede ser una experiencia enriquecedora y a su vez, letal. Al defender nuestros puntos de vista, solemos exaltarnos más de lo que deberíamos probablemente, pues son parte de nosotros y normalmente, cuando alguien ataca nuestro punto de vista, nos sentimos personalmente heridos. Arthur Zmijewski experimenta en el 2007 con esta apropiación que vivimos comúnmente, en donde seriamos capaces incluso de salir heridos por defender nuestra ideología.
Dos grupos conservadores y dos grupos liberales se enfrentan cara a cara en una habitación por algunos días, pero, no es un enfrentamiento común y corriente, sino con grandes carteles donde el artista les pidió que pintaran o plasmarán sus ideales; posteriormente se les dijo que no había reglas, podían modificar o editar los carteles ajenos. En los primeros días, había una especie de respeto y a su vez introversión por parte de los participantes, los cambios eran mínimos y hasta cierto punto delicados.
Conforme iba transcurriendo el tiempo, las posturas se volvían más claras, y poco a poco la actitud agresiva comenzaba a salir, cada quien defendía sus ideales. Desde romper o quemar carteles, cortar las playeras que los participantes tenían (las cuales poseían el emblema o mensaje que habían pintado), hasta algunas indirectas y señalamientos al pasado o presente del movimiento. Termina siendo brutal la manera en la que se enfrentan.
La manera en la que el artista demuestra con su obra hasta qué punto se puede llegar a defender una ideología y los símbolos o signos que nos apropiamos al quedar inmersos en ella, es fascinante, no sólo visualmente, narrativamente pareciera que todo se acomoda a su favor. Desde la elección de los participantes hasta la idea misma de la obra (los carteles, playeras y las reglas) fue ejecutada de manera casi impecable, e incluso, logrando la atención del espectador en todo momento.

Oroxxo- Gabriel Orozco

Oroxxo es una tienda-obra que se encuentra dentro de la galería Kurimanzutto. La pieza se compone de literalmente un OXXO instalado dentro de la galería, en donde algunos artículos que siempre encontramos dentro de esta tienda han sido intervenidos por Gabriel Orozco y uno tiene la oportunidad de adquirir uno de los artículos no intervenidos por él.
Posteriormente se pasa a una sala de exposiciones más tradicional, en donde otros artículos intervenidos están exhibidos como piezas artísticas. Aquel que guste y pueda, tiene la posibilidad de comprar alguno de esos artículos validado por un certificado de autenticidad.
De acuerdo a lo que sabemos que Orozco ha dicho, grupo FEMSA, dueños de estas tiendas, fueron los patrocinadores de esta instalación; que busca hacer una crítica en torno al mercado del arte.
Ahora bien, ¿Realmente el OROXXO está criticando el mercado? Me parece que no, la dinámica en la que mete al espectador es distinta. Uno entra a este lugar en donde artículos de la vida cotidiana, que uno tiene en sus casas, son vistos como obras, si y solo si, fueron intervenidos por él. Un bote de pañuelos desechables que generalmente cuesta $20, ahora tiene un valor de miles de dólares
Lo que Gabriel Orozco hace es simplemente poner en evidencia aquello de lo que participan los artistas, los espectadores, compradores y el mercado en sí, más no cuestiona.
Ahora bien, podría ocurrir que la obra en si es aquello que es incierto respecto a lo que va a ocurrir con esas envolturas, está por verse como son valuadas y si las personas que pueden o no estar dentro del mundo del arte las adquieren y las venden al mundo del arte.
Si es así, entonces ¿Por qué una persona que no está inmersa en el mundo del arte o en el mercado del arte compraría UNA ENVOLTURA de 14 mil pesos? Supongo que en tal caso, esa gente que tiene dinero para adquirir una pieza de ese precio preferiría tener en su casa un cuadro colgado que le hiciera sonreír cada que lo viera.

Night Soil-Fake Paradise de Melanie Bonajo

Night Soil-Fake Paradise de Melanie Bonajo es uno de los tres videos que llevan el nombre de Night Soil. Es en esta parte en la que se expone a manera de documental con entrevistas a un grupo de jóvenes que aparentemente están en contra del sistema capitalista y todo lo que implica vivir en esas dinámicas; en donde las drogas, sobre todo la ayahuasca es para ellos un modo de conectar con la naturaleza y con su ser mismo.
 Es muy interesante como a través del tratamiento de las escenografías y los personajes el documental parece ser más bien una burla o una protesta a estos jóvenes que son adinerados y viven con todas las comodidades y tecnología del mundo, pero se quejan del mundo capitalista en el que estan insertos y conviven. 
Pareciera que lo que buscan es justificar el uso de substancias alucinógenas con el pretexto de lograr a través de ello una conexión con el universo.
El video es un tanto confuso por lo mimso, no queda claro lo que busca la artista, si criticar o realmente documentar lo que ocurre con este tipo de gente. Ya que en un principio pareciera ser un comentario serio sobre el uso de estas substancias, pero la escenografía es evidente estar montada, conforme la pieza avanza la imagen se distorciona así como la lectura del espectador.

She Gone Rogue - Zackary Drucker

Zackary Drucker interpreta en She Gone Rogue a Darling, una mujer transgénero que recientemente fue abandonada por su novio. Mientras vive ese duelo, ve a Holly, su tía, que parece más bien su mentora y los infomerciales en la televisión que parece le dictan su suerte a todo el que lo necesite; Darling, perdida en su tristeza se interna en un mundo onírico y reminicente, en donde parece conciliar muchas cosas de su pasado que había dejado inconclusas, como la relación con sus padres.
Este mundo onírico al que Darling se adentra por una grieta en la pared, parece ser la salvación a su duelo.
She Gone Rogue es una obra en video que aunque parece tener una historia irreal, refleja la realidad de muchas personas transgénero, cuyas relaciones con sus padres se han deshecho totalmente a causa de las faltas de aceptación de quienes son ellos, como se sienten y como ven su propia identidad.
A su vez, la pieza refleja el interior del mismo Zackary Drucker, se ve su historia, duelos y conflictos personales, no solo por ser transgénero, sino como cualquier persona. Me parece que es posible para todos identificarnos de alguna manera con ciertas escenas reflejadas.

Them de Artur Zmijewski

El video-docuemtal titulado Them de Artur Zmijewski es más bien, un experimento documentado. El cual consiste en poner en una misma habitación grupos con diferentes ideologías, que chocan entre ellas. Sumado a ello tienen que generar carteles que representen aquella postura que apoyan y con la libertad de intervenir de la manera que quieran al cartel del otro. 

Me parece un video interesantísimo ya que uno forma parte del experimento como espectador de todo lo que acontece, de como los seres humanos en pleno siglo XXI siguen estando llenos de prejuicios y en cuando encuentran un momento de mostrar la ausencia de tolerancia, así lo hacen.

El video y el experimento en sí, tienen una dinámica ascendente, por llamarle de alguna manera, ya que se comienza con desacuerdos y se llega a la violencia, a una violencia en donde el otro es precisamente eso, un otro que no puede ser igual a mi.

Es importante señalar que uno podría pensar que son muy diferentes, sin embargo, las personas dentro de esta dinámica tienen cosas en común, como una misma nacionalidad y a pesar de ello sus diferencias y la posibilidad de desacreditar, incluso sin argumentos a la creencia del otro, es mayor a sus similitudes.

Los integrantes del experimento no ven la actividad, como algo que podría retroalimentar sus creencias, sino como un acto de violencia y un insulto a ellos. 

Se muestran de una manera impactante y explícita los prejuicios que hay hacia el otro.

Pareciera que Artur Zmijewski logra su cometido, o lo que parece que es, la cámara captura la verdad de la naturaleza humana, las reacciones del hombre cuando éste se siente ofendido, sin pensar en los motivos que tiene el otro para pensar diferente.

El Orozco del Oroxxo

Gabriel Orozco es sin duda el artista mexicano contemporáneo más reconocido a nivel mundial, por ser un transgresor del arte de primer nivel. No le bastó con la caja de zapatos para ofender al mundo entero, sino que ahora buscó centrar su "falta de respeto" y decidió sacar de quicio a sus compatriotas, presentando la obra Oroxxo.
Las críticas no se dejaron esperar, pues la noticia de esparció como pólvora y las redes sociales no se hicieron esperar. Si bien la idea que posee el mexicano sobre el arte es exageradamente tradicional, la obra tampoco fue de mucho agrado para algunos seguidores del arte conceptual, pues se afirmaba que el discurso que ofreció sobre la obra, era un tanto repetitivo y monótono, e incluso, algunos llegaban a argumentar la falta de coherencia que dejó ver entre su propósito, su discurso y la misma obra.
Ésta obra puede ser analizada de distintas maneras y puede entregar diversos mensajes. Un ejemplo es la crítica al consumismo, pues al presentar una cadena de tiendas común para el mexicano como es el Oxxo, nos muestra las necesidades inventadas por el sistema e impulsadas por las tiendas, las cuales poseen una disposición de sus productos bastante estudiada y consciente. No sólo se puede dirigir al consumismo de productos "básicos" o antojos, también puede ir dirigida hacia el consumo de obra y el mercado del arte, que pareciera es tan banal para los coleccionistas y museos, como ir a un Oxxo a comprar un refresco. Otra discurso que se podría sacar de la obra, es la sátira que se hace contra las galerías de arte, pues terminan siendo iguales o peores que una tienda.
Discursos hay muchos, pero declaraciones de Orozco acerca de su obra no hay muchas. Si el mensaje era "arte para todos", ¿vender una Coca Cola intervenida a más de 16 pesos es para todos?, existe una clara contradicción entre el discurso contra la élite del arte y la acción de vender sus productos intervenidos a ese precio. La idea del artista en cuanto a la pieza era llegar a vender los últimos lotes a 1 peso, brindándole accesibilidad a todos de poder adquirir una de sus piezas intervenidas, pero eso jamás ocurrió.
Se podría justificar el fallo en su propuesta de la unidad mínima culpando a los coleccionistas y al mercado del arte  de inflar los precios, pero hasta que punto el artista pudo arremeter contra estos y respetar su propuesta. Hay mensajes contra el mercado del arte y el consumismo que son notorios en la pieza, pero algunas declaraciones de Orozco no benefician la coherencia de la misma, y ponen en duda la veracidad misma de la obra ¿hasta qué punto la obra quería hacer crítica? ¿Realmente quería formular una crítica? O sólo buscaba generar discusión entre los mexicanos, y en todo caso esa fue la obra.

Film-Samuel Beckett

El ojo que todo lo ve, la mirada que juzga y que provoca, sin algún sentido aparente, una detonación de emociones y sentimientos que se desencadenan en nuestro interior, provocando una lucha interna entre lo que podríamos denominar miedo y ansiedad. Samuel Beckett nos brinda ese sentir en Film, un cortometraje que realizó en el año de 1965, donde Buster Keaton es el protagonista, y juntos nos entregan ésta obra cinematográfica digna de reflexión.
Conforme transcurre el cortometraje, nos enfrentamos al protagonista, quien trataba de evadir todo lo que le mirase (fuera un ser viviente o no), desde objetos hasta animales, pasando por seres humanos, el personaje de Keaton se da cuenta de que él mismo se está mirando.
Si bien el tema de la mirada no es nuevo, la manera en que se aborda en la obra, facilita el cuestionamiento sobre el poder de la mirada. La elección de herramientas que hace el artista no es en vano, pues opa por el blanco y negro y lo mudo, a pesar de que ya no existían ciertas limitaciones para su época, como el sonido y el color en las películas. Otro aspecto a tomar en cuenta es, que Beckett hace un interesante juego con la cámara, pasando de primera a tercera persona, provocando un sentimiento de distancia con la historia que se va relatando pero a su vez, volviéndonos parte de ella.
El cuestionamiento sobre el poder que ejerce la mirada del otro y la propia, me parece que se entrega de manera eficaz, pues no sólo se hizo una correcta elección de herramientas para entregar el mensaje; a su vez la historia que se desarrolla, no cae en lo rebuscado y lo abstracto, permitiéndole al espectador seguir fácilmente la historia y poder captar el mensaje.

Memoria devastada/ Recolecciones olvidadas

Memoria devastada es una exposición que se encuentra en la Celda Contemporanea dentro de la Universidad del Claustro de Sor Juana y presenta el trabajo de dos artistas. Miriam Salado y Cecilia Hurtado, sus trabajos convergen dentro del espacio irregular de la celda intentando generar una unión entre ambas a pesar de existir diferencias visibles en cuanto a técnicas, forma e incluso discurso. 

Al ingresar a la sala uno se percata que las obras de ambas mujeres no se encuentran mezcladas, sino que cada una habita un espacio separado po un vano adintelado que incluso hace que se sientas distintas atmósferas. Pareciera que el motivo de poner trabajos tan distintos juntos y hacerlos dialogar no es del todo conseguido por esto anteriormente mencionado y porque no parece haber relación entre una y otra, más que la recuperación y nueva contextualización de elementos.

En el caso de Miriam Salado desde un punto de vista más abientalista, ya que sus piezas llaman a la generación de una conciencia de la naturaleza en la que es necesario entender que es lo que se está perdiendo.

Ahora bien, la obra de Cecilia Hurtado se enfoca más a la reinterpretción de los documentos de archivo, en donde estos pueden ser vistos incluso, como obra de arte haciendo a un lado la relevancia del archivo en si. Este último punto es visible en la serie Estado íntimo en donde contrapone una imagen tomada por ella con una fotografía tomada de archivos policiacos de Australia; al poner ambas imágenes juntas el cerebro del espectador busca encontrar una relación entre ambas generando incluso narrativas y precisamente olvidando la importancia de la recolección.

Tres reflexiones.

Night Soil #1- Fake Paradise- Melanie Bonajo

La Artista Bonajo, a través de varios testimonios que se vinculan con experiencias sagradas y estados alterados estando bajo algunas drogas, se cuestiona y pone en contraste dos mundos, uno dominado por relaciones tecnológicas y consumistas y otro más natural que se esconde en el fondo. En este sentido, lanza una crítica a la preferencia actual que se tiene sobre las conexiones artificiales, como es el internet, antes que a las relaciones con el mismo entorno.

Visualmente, el video parece un delirio, a veces hasta llega ser exagerado e incoherente, pero siempre pone en énfasis como es que el mundo artificial, puede llegar a nublar la consciencia natural. Esto también lo podemos ver en la música, que a lo largo combina sonidos tribales con otros electrónicos, estos últimos se producen por aparatos que emiten alertas de esas mimas redes sociales.

Memoria devastada

En la celda contemporánea se muestran distintas perspectivas en un mismo espacio que intentan recuperar y crear relaciones. En este sentido, la que la mi parecer fue más interesante, es la intervención de  la artista Cecilia Hurtado.

Al inicio, tenemos un video, el cual destruye y construye una imagen por medio del fuego, que a su vez se vuelve a regenerar dejando consigo un rastro, que se ve traducido en cenizas. Vemos aquí no sólo una materia transformada, sino lo que eso implica, ya que de alguna manera a medida que cambia es representación, nuestra perspectiva del tiempo, y del objeto también.

la jetée

La jetée es un cortometraje presentado por Nicolas Van Waalwyk, echo a partir de fotografías a blanco y negro. En el se nos muestra una visión apocalíptica del mundo, el cual se ve sumergido en la devastación debido a las guerras nucleares. Para salir de esto, un grupo de científicos elige a un hombre, para que por medio de su mente, se pueda trasladar al pasado o bien, al futuro a buscar una solución para detener el desastre. En este trayecto se enamora  de una mujer, y al final a pesar de la situación lo único que desea es volver a verla.

Todo eso nos habla de viajes en el tiempo pero a través de la memoria, ya que tanto el formato del mismo cortometraje como la recuperación que hace el personaje de sus recuerdos, muestra el diverso enfoque temporal que puede existir en una misma manifestación. En este sentido, se reflexiona no sólo en la historia, sino en los conceptos y en la forma en que son abordados.

Celda contemporánea: "Memoria devastada"

Imagen en: http://www.espaciogaf.com/memoria-devastada-cecilia-hurtado-miriam-salado/8262

Memoria devastada de Cecilia Hurtado y Miriam Salado

por María de la Fe Medrano Flor

Convocadas para presentar en el espacio de la Celda Contemporánea de la Universidad Claustro de Sor Juana, Cecilia Hurtado y Miriam Salado, presentan su obra bajo la curaduría de Irving Domínguez y Berta Kolteniuk.

Los ejes temáticos de cada artista son muy diferenciados pero decidieron exponerse juntos debido a que coinciden en algunos procesos de elaboración de sus obras, la recuperación de

materiales. Sin embargo, pienso que esta no es razón suficiente para unir a estas dos artistas que difieren tanto en sus características formales como en el  discurso de sus obras.

Pese a este gran quiebre que hay en la sala de exposición respecto a estas artistas, ambas tienen una propuesta interesante. La que más llamó mi atención fue Cecilia Hurtado.

Cecilia Hurtado es una artista mexicana que se ha dedicado a la fotografía desde finales de la década de los noventas. Utiliza el lenguaje fotográfico para una búsqueda del tiempo en la imagen, ligados a la ausencia, el misterio y la memoria. En la exposición se pueden encontrar  diversas series de su trabajo fotográfico, de las cuales quiero destacar la serie Estado íntimo. Serie conformada por dípticos donde Hurtado contrapone fotografías de su propio archivo con fotografías de dominio público de un archivo policiaco de Australia; creando entre ambas fotografías un diálogo visual donde cada fotografía complementa a la otra. Cada fotografía busca un elemento común que es lo que permite ligarlas entre sí, y que de esta manera exista una mayor comunicación entre las imágenes y el espectador.

Fotografía: Eduardo Romero. En: http://celdacontemporanea.blogspot.mx/2017/03/memoria-devastada.html

Fotografía: Eduardo Romero. En: http://celdacontemporanea.blogspot.mx/2017/03/memoria-devastada.html

Bibliografía:

Domínguez, Irving. "Memoria devastada". Blogger. http://celdacontemporanea.blogspot.mx/2017/03/memoria-devastada.html (consultado 01/abril/17)

Them

Them 
Artur Zmijewski
2007

Con este vídeo-documental, Artur Zmijewski nos lleva a presenciar las relaciones que se pueden dar entre grupos con ideologías distintas, y cómo se desenvuelven en un entorno cerrado donde solamente ellos conviven.

Hay cuatro grupos, dos que se considerarían conservadores y dos liberales. Al inicio, hacen carteles representando el emblema o la ideología que tienen. al inicio, las relaciones son diplomáticas y alteran los carteles, imprimiendo tintes que se podrían notar como positivos, pero a veces no son bien aceptados. Es en este momento cuando los grupos tratan de imponer sus ideales sobre los otros.

En mi caso, noté que los grupos liberales eran los más irrespetuosos con las ideas ajenas, paradójicamente forzando el concepto de "Libertad" dentro de los grupos conservadores que no están de acuerdo con cuestiones tales como la homosexualidad y la aceptación de otras religiones. De esta forma, estos últimos grupos defendían sus ideas y se apoyaban mutuamente más de lo que atacaban, pero finalmente todos acabaron quemando carteles ajenos de una manera u otra y perdiendo toda consideración y diplomacia que pudo haber en un inicio y quizá pudiera haber sido rescatada si hubiera respeto.

Para concluir, opino que se tienen que rescatar valores humanos, tales como el respeto, la consideración, la amabilidad, la diplomacia y, sobre todo, el amor (no necesariamente romántico). Si estos valores se pierden dentro de la sociedad, al final nos quedaremos con algo similar a la obra de Zmijewski: guerra, destrucción, cenizas.

She Gone Rogue

She Gone Rogue
Zackary Drucker
2012

En este vídeo, Zackary Drucker presenta (e interpreta) a una mujer llamada Darling, cuya pareja la abandona. Entonces, Darling busca a su tía Holly, y cuando está en su casa, en el televisor está una mujer que parece estar hablando con Darling sobre su suerte. Esto desencadena un viaje a través de un hoyo en la pared que lleva a Darling a explorar una ciudad, conociendo a personajes que tienen un papel específico dentro de estas escenas parecidas a un sueño.

Es clara la intervención de personajes drag (hombres que se visten y maquillan como mujer) en esta narrativa que puede a llegar a ser confusa si no descifran los elementos insertos en ella, pero hay una búsqueda de algo que es clara, y quizás todos pasemos por ella, pues la interpretación que podemos darle a este vídeo puede variar en varios aspectos de una persona a otra. También podemos identificarnos con el personaje de Darling, aquella persona que tiene una ruptura con algo o alguien y se embarca en una aventura para encontrar aquello que probablemente necesite en un momento crítico. La interacción que tiene con los personajes también puede traernos varias preguntas a colación, como la relación que hay entre ellos y cómo se van construyendo las mismas dentro de esta especie de mundo onírico. Finalmente, hay una respuesta, un resultado dentro de la exploración (introspectiva) que se emprende, y será diferente para cada uno.

Para concluir, esta especie de sueño puede parecer confusa y darnos más preguntas que respuestas, pero tengo la impresión de que las respuestas las podemos encontrar dentro de nosotros mismos, así como Darling lo logra.

Night Soil - Fake Paradise

Night Soil - Fake Paradise
Melanie Bonajo
2015

En este vídeo, Melanie Bonajo nos presenta a varios individuos que han tenido experiencias con la ayahuasca y hablan sobre ello en varios entornos y de formas diferentes...

Al principio, podemos pensar que solamente son testimonios de personas que han probado ayahuasca, pero poco a poco comienza a haber un tono extraño, y ya no se sabe si es, en efecto, una experiencia de conexión espiritual con aquello a lo que no podemos acceder normalmente, o si es una especie de sátira respecto a personas que tuvieron alucinaciones intensas, pero están tan inscritas en una sociedad superficial que no distinguen una cosa de otra. Esto quizás lo podamos ver por cómo las personas están en su entorno, o cómo es su entorno: hay personas que están en una habitación con piscina y todas las comodidades que necesitan, hay otros que están en un bosque pero no dejaron su iPad atrás, u otras personas en una especie de sesión de fotos. Contrapuesto a lo que están narrando de su experiencia, podemos ver que quizás sus alucinaciones les dieron una forma distinta de ver el mundo, pero esto no siempre implica que se haya establecido de nuevo la conexión perdida con el mundo.

Por mi parte, lo veo como una sátira a aquellos que quizá no le den importancia a la importancia de llevar a cabo un rito correctamente para tener una conexión genuina con el mundo, pudiendo entenderlo como  la naturaleza, el cosmos, el todo. Puede ser difícil acceder a ello si hemos crecido dentro de/nos asimilamos a la sociedad vigente, a pesar de que el ayahuasca sea un medio que propicie o nos auxilie en esta re-vinculación con el mundo.

Oroxxo

Oroxxo
Gabriel Orozco
2017

Esta instalación ideada por Gabriel Orozco nos hace cuestionarnos sobre cómo nos manejamos en una sociedad consumista. Igualmente, Orozco ha marcado algunos productos con su sello distintivo, y los vende en una "tienda" fuera de su Oroxxo, ya con un valor distinto a la mercancía dentro de éste último.

Hasta cierto punto, es desconcertante que un artista pueda hacerse de una instalación como esta, pero pronto reflexionamos sobre la experiencia que tendríamos si nos adentramos en el Oroxxo: ¿sería distinto de comprar en un OXXO normal? Seguramente, muchas personas quisieron adquirir los bienes "únicos" (marcados con el logo de Orozco), pero igualmente podrían tirarlo a la basura. Después de eso, ¿qué sucede? Es un bien material sin un valor más que imaginario. Esto podría ser una de las incontables formas de describir los productos en general, pues nos convencen de necesitar algo; cuando ya lo tenemos, ¿qué valor le proporcionamos con el tiempo? Lo más común es que se deseche - a partir de esto se pueden desplegar diversas problemáticas sociales, económicas e incluso ecológicas.

Lo último que nos podríamos preguntar es: ¿realmente las personas van a tomar conciencia de todo lo que un producto de consumo puede detonar?

She Gone Rogue

She Gone Rogue

En She Gone Rogue,  Rhys Ernst nos presenta un viaje casi surrealista, el cual nos rodea de una bruma desconcertante y algunas veces hasta perturbadora. El personaje principal de nombre Darling transita en distintos planos con el fin de descubrir y aclarar su verdadera identidad.

A lo largo del video, la estética drag se nos presenta como un recurso visual que si bien hace más atractivo el discurso, también nos habla sobre un proceso dentro de la transformación de género trans en el cual, la estética es lo más importante, ya que te significa y hasta cierto punto es lo que te distingue de tu yo anterior. El aspecto es lo que refleja tu querer ser. Y en este sentido podemos ver que tanto el color como el ambiente adquieren un doble significado en el largometraje.

El uso de arquetipos que refieren a lo trans es constante, y nos muestran cómo la vivencia individual que Darling va teniendo en cuanto al proceso de cambio físico y mental consiste en decodificarlos, para así, llegar a descubrir su autentica naturaleza. Aquí, es interesante ver el uso del arquetipo y del símbolo como una forma para recordar y hacer sólida la imagen que queremos proyectar .

Como conclusión puedo decir que la construcción artística parece un delirio que se materializa por medio del video. Pienso que puede ser un sueño del personaje principal, y por esta razón todo su inconsciente, deseos, dudas, y voces se hacen presentes. Esto también lo podemos ver en el tiempo y en el espacio, ya que se expande dando lugar a varias dimensiones, las cuales van proyectando una nueva situación y posibilidad de ser.