jueves, 25 de febrero de 2016

Meiro Koizumi. My voice could reach you

El artista Meiro Koizumi explora mediante sus vídeo-perfomances los conceptos de lo público y lo privado, con ciertos matices cómicos al principio que de a poco van adquiriendo un tono melancólico y doloroso.

 La obra, My voice could  reach you inicia con una escena en donde se encuentra un hombre en medio del bullicio de la ciudad, de repente toma su teléfono celular, marca un número y espera una respuesta. A pesar del ruido podemos escuchar lo que dice. Comienza la conversación pero no oímos la voz de su interlocutor, no obstante por el contexto y contenido de lo que habla inferimos que la persona a la que ha llamado es su madre. Intenta convencerla de salir el fin de semana y después de varios argumentos, lo logra. Posteriormente se interrumpe bruscamente el vídeo para mostrar diferentes planos de la ciudad (quizás sea Tokio) y al mismo tiempo se muestran de apoco partes de una carta en japonés aunque se leen los subtítulos en inglés;no hay sonido, sólo se van mostrando las palabras en las que inferimos que es el sujeto el que la escribió dedicada a su madre. Por el contenido de la misma se da a entender que su madre está muerta. Una vez que termina la carta, se regresa  a la proyección anterior dónde vemos al hombre, es la misma escena con la diferencia de que esta vez escuchamos lo que pasa del otro lado de la línea. No es su madre, son personas que trabajan en call-centers, servicio al cliente, etc. no le importa lo que el otro le responda, él sigue con su discurso hasta al final, pretendiendo que habla con ella. 

¿Dónde entrarían en juego los conceptos de lo público y lo privado? Existe una línea muy delgada en el vídeo, por un lado el hombre se encuentra en medio de la calle, un lugar ruidoso donde la gente transita, pasan los coches y camiones y todos se mezclan con todos, Contrasta con el tema de la llamada, ya que usualmente para ese tipo de cuestiones uno buscaría un lugar más apartado (a menos que la llamada sea desde un teléfono público, pero no es el caso) no obstante, probablemente sea este alboroto el lugar propicio para hacerlo porque de esta forma nadie lo escucharía ni le prestaría atención, lo hace invisible, lo que en otro contexto podría considerarse como algo perjudicial aquí es una ventaja. Al escuchar que le habla a su madre no salta como algo fuera de lo normal, incluso cuando empieza a repetir varias frases, se interpretaría como que no se escucha bien del otro lado, sin embargo nunca dudamos de que es ella la que le contesta aunque no la oigamos, entramos en el mismo juego que el hombre. 

No es hasta que se muestra la carta que las piezas se van acomodando: la madre no está y un remordimiento (o quizá simple nostalgia) empuja al sujeto a escribirle y decirle todo lo que significaba para ella. El hecho de que no haya ningún sonido, nos hace poner más atención en las palabras que en el fondo que es la ciudad. Da la sensación de que a pesar de que el mundo sigue su curso, él quiere hacer una pausa para rememorar. 

Al regresar a la escena, se torna algo confuso porque no se entiende entonces a quién se dirige. Sólo que esta vez sí escuchamos a su interlocutor, Decide llamar a gente con la que difícilmente se generan vínculos afectivos; los call-centers; esas personas que si bien son amables, no son el personaje ideal para buscar consuelo, no obstante, el sujeto necesita oír una voz para sentir que está hablando con alguien, de otro modo no habría necesidad de llamar, incluso podría solamente hacer la mímica sin llamar a nadie. Resulta cómico porque aunque estén dos personas hablándose entre ellas no existe comunicación pues el sujeto sigue el guión que quiere decir a su madre y los otros personajes desconcertados no logran resolver la situación. Varias veces se repite el hecho y se convierte cada vez más cómico y tierno por resultar una acción desesperada. Empero al final cuando cuelga, regresa entonces a su soledad que le empujo a realizar algo sin sentido, tal cambio brusco de lo cómico a lo melancólico es lo que provoca esta sensación dolorosa de vacío.

Sumando todo, la obra aborda el sinsentido de algunas acciones, lo rápido que el mundo nos olvida después de la muerte, el dolor que provoca y no poder hacerlo externo, la sensación de estar solo en un lugar rodeado de gente, la insensibilidad que se genera en urbes tan grandes que por esa misma condición no son capaces de generar vínculos humanos. 

martes, 23 de febrero de 2016

Meiro Katzumi ¿Ya no habrá vuelta atrás?
Un japonés con aspecto de burócrata como hay tantos en la zona, está en medio de una avenida importante de Tokio, al estilo de Ginza, Shinjuku o Shibuya,  está hablando por teléfono, comprendemos que habla con su madre que se preocupa, le envía arroz porque cree que no come suficientemente bien. Él pregunta si está libre el fin de semana para salir juntos
Meiro Katzumi juega con el sonido y el silencio, haciendo escuchar sólo el teléfono, o todo el ruido exterior, carros, personas o en otra parte, música
El personaje habla cada vez más angustiado, empieza a anochecer y cambian las imágenes. Vemos un niño haciendo un picnic con su madre (deducimos que es el chico que está al teléfono). Comenta cuanto son valiosas esas imágenes para él y habla de una carta que no puede llegar donde está ahora su mamá
Repiten la escena donde habla con su madre en la calle, pero esta vez oímos al que recibe la llamada y está llamando a una empresa, haciendo como si fuera su madre.
La operadora termina por decirle “sorry I’m not your mother” y se lo mismo llamando a varias partes y hombres y mujeres que le contestan y terminan por colgar. Se queda escuchando el bip después de que colgaron
Se oye música de órgano, como de los años 70. Dice “cuídate” y termina escuchándose Se oye sólo el órgano de los años 70.
A lo largo de la performance del actor, percibimos la terrible situación del ser humano en medio de una sociedad que no tiene espacio para existir como otra cosa que no sea brazos o cerebros para producir.
No existe un espacio para poder tomar un momento para hacer el luto por la muerte de un ser querido, no existe quien pueda por lo menos escuchar la pena de esa muerte, así como no existe espacio para vivir como un ser humano.

Con una mirada de hombre de oriente, Meiro Katzumi nos muestra como el ser humano ha provocado la decadencia y el absurdo el mundo que nos toca habitar. Queriendo controlar todo, hemos perdido la capacidad de ver hacia los valores y emociones que han creado su civilización y llegamos a ya no poder dominar nada, sólo podemos observar como la degradación es cada vez más el resultado de nuestra ceguera.

Landscapes de Edward Burtynsky

Landscapes
Reconocido mundialmente por sus fotos con paisajes industriales de gran formato, el fotógrafo y artista canadiense Edward Burtynsky realiza en 2006 una película sobre el impacto en el hombre de la automatización de la producción industrial sirviéndose esta vez del video.
Como en sus trabajos fotográficos, nos invita a un universo en gran formato donde la imagen es trabajada con gran calidad que esconde el testimonio de la degradación de la calidad de vida de los obreros de una fábrica en china, entre otros mensajes como paisajes inconmensurables que debieron ser grandiosos y hoy se ahogan contaminados por la mano del hombre.
El fotógrafo explica que, para él, esa fábrica también es un paisaje y una muestra flagrante de cómo causamos daños al paisaje natural con fotos de paisajes degradados: ríos, canteras… y al mismo tiempo nos muestra a los visitantes en la exposición de las fotografías de esos paisajes degradados que observan sin reflejar gran preocupación por la situación.
De regreso a la fábrica nos muestra, con una toma cercana a una trabajadora, acercamientos a las manos de varios trabajadores armando diferentes partes de lo que hace esa fábrica-desechos metálicos con gente hurgando entre ellos (en la misma fábrica) y fotos de esos desechos ordenados por pacas. Es un ejemplo de la escala monstruosa a la que se lleva a cabo la destrucción denunciada

A pesar de utilizar recursos que ya se han visto desde hace décadas, por ejemplo, en la película Baraka de 1992, Burtynsky cumple su objetivo dejando al espectador con la interrogante de que tan válida es la manera en que nuestra sociedad ha llegado al punto en que estamos, donde ya no se trata de satisfacer las necesidades reales del ser humano, sino que el despilfarro sin sentido se ha vuelto la norma y es manipulado por intereses de los que parecieran haber perdido el control.

lunes, 22 de febrero de 2016

MY VOICE WILL REACH YOU: EL DEBER SER EN LA CULTURA JAPONESA

Una situación a la que cualquiera se podría enfrentar como lo es el duelo tras la muerte de un ser querido es aprehendida bajo la visión de Meiro Koizumi en su obra My voice will reach you. A partir de la idiosincrasia de la cultura de la que forma parte logra hacer de una situación íntima una crítica dirigida hacia la forma en que se enfrentan a sus emociones y del deber ser construido en Oriente.
La obra está dividida en tres partes y toma como soporte el video, el cual combina como en obras anteriores con otros recursos. En la primera parte nos presenta a un hombre en medio de un escenario que podemos insertar dentro de la definición del “no-lugar”, un lugar cuya única función es servir como espacio de tránsito para los habitantes japoneses. Esta es una de las primeras contradicciones que construye Koizumi para cuestionar los límites entre lo público y lo privado. Pues, mientras observamos un lugar globalizado lleno de caos, el protagonista se encuentra hablando por teléfono repitiendo un diálogo, que si bien no nos da muchas pistas acerca de la situación a la que se enfrenta, nos da una sensación de intimidad.
Es hasta la segunda parte de la obra cuando podemos comenzar a armar el rompecabezas y por lo tanto saber de qué va la obra. En esta ocasión la pantalla es ocupada casi por completo por una carta, la cual muestra una reflexión interna acerca de la muerte de una persona cercana que juega un papel importante para la vida de todo ser humano: la madre. Esta carta acompañada de música y un ritmo más lento participa para acentuar los sentimientos nostálgicos y melancólicos que nos llevan a la compasión.
Por último, Koizumi nos regresa al lugar de partida con el mismo personaje y el miso diálogo, pero esta vez podemos escuchar la conversación telefónica por parte de los dos participantes. Es un elemento sorpresa lo que escuchamos en este punto, pues quien responde son recepcionistas de compañías. A pesar de que son diversas personas las que responden, todas siguen un diálogo similar, que no se inmuta ante la desgracia del protagonista. Pues todas ellas siguen un protocolo en las que los sentimientos se evaden, y simplemente responden lo que deben aunque la conversación se vuelva casi incoherente.
La delimitación tan marcadas entre lo privado y lo público presentes entre la cultura japonesa se ve acentuado por todas los contrastes que construye en su obra. El artista problematiza y explora su cultura, en un intento de romper con las convenciones sociales en las que predomina el deber ser sobre el deseo como se muestra en el diálogo que llevan a cabo los recepcionistas.

Fernanda Crispín

lunes, 15 de febrero de 2016

Burtynsky. Comentario de obra. Guillermo Mederos.

Edward Burtynsky o una critica estéril con capacidades fecundas. 


Grandes paisajes, majestuosos y desoladores, nos asaltan con una belleza que nos suena contradictoria, nos hacen ruido, es molesto poder encontrar tan atractiva la desolación, pero nos obligan a ver mas, Burtynsky nos da una imagen que nos muestra una relación ¿que clase de relación? ¿Son solo colores contrastados que utilizan al paisaje como pretexto para presumirse bellos o son paisajes que utilizan colores para mostrarse desoladores? ¿Hasta que punto Burtynsky logra profundizar en la problemática relación que llevamos con la naturaleza?  


De acuerdo a las entrevistas que da en el programa TEDtalks, su punto es la búsqueda de un estado sustentable para permitir la supervivencia de la humanidad, utilizando su fotografía como medio de producción de vías técnicas alternas para lograrlo. Nos encontramos ante un objeto subsumido por la latente necesidad de la creación de una relación armónica entre el humano y la naturaleza. Burtynsky, dadas sus opiniones y fines expresados en las entrevistas, no logra ver en su totalidad lo que esta implícito en su obra: la dinámica de urbanización moderna.


¿Que implica la dinámica de producción de ciudades en las naciones modernas? La ciudad determina las relaciones sociales a la vez que estas relaciones sociales determinan la forma y el contenido de la ciudad misma, los fines que ésta persigue y los medios que ésta utiliza para lograrlos. Tomando en cuenta que las ciudades son el hogar del capitalismo podemos determinar que la ciudad esta constituida por y para la acumulación de capital. Este tipo de organización y relación social es el que se encuentra retratado en la obra de Burtynsky. ¿Como es que la dinámica de producción de la riqueza afecta a las relaciones humanas? éste es un cuestionamiento que surge al ver esta praxis retratada en fotografías como las mineras de California o el cementerio de barcos en Bangladesh, mas aún en las plantas manufactureras que son una constante en su carrera como fotógrafo. Sin embargo nos tenemos que detener y hacer la aclaración que estas dinámicas se encuentran en su fotografía de forma implícita, pues, explicitamente, esta sirviendo a un fin unilateral especifico. 

El discurso que acompaña a las fotografías, dado por el mismo autor, va acompañado por una investigación cuantitativa; cifras especificas: la cantidad de obreros o materiales extraídos de los paisajes, edificios construidos, medidas de tiempo y espacio. ¿Pero no seria eso precisamente el papel que deberían jugar instituciones gubernamentales o sociales para la planificación urbanística de la urbe? ¿Cuales son las necesidades que únicamente puede cubrir el arte? la cualidad de esa praxis, que implícitamente se encuentra en esas fotografías, se encuentra en segundo plano. El autor parece ser ciego a estas emociones que causan los encuadres, los colores, las montañas destruidas, los océanos de plástico, las estrellas apagadas y moribundas en cada uno de los obreros que son retratados a modo de maquinas en perfecto funcionamiento, todo eso causado por un monstruo que se esconde tras cada atmósfera gris. Las fotografías muestran mucho mas que lo que Burtynsky se propone a mostrar, es un esclavo de la época, cegado por la misma, exponiéndola en sus encuadres y colores, escondiéndola en su discurso. 

Guillermo Mederos Figueroa. 5°B 

viernes, 12 de febrero de 2016

My Voice Would Reach You (2009) Meiro Koizum

Por Diego Nava


El individuo entre lo público y lo privado. Contempla al hombre partiendo de sus manifestaciones expresivas y exterioriza en puestas de escena sus dificultades de comprensión en base a una espacio de emociones que reconstruyen la forma en que el sujeto trata de efectuar intentos de exteriorizarse.

Una idea de dialogo y conversación, explicación y  conversación. El hombre entendido antes de ser conocido.

 

Cuanto mas se aleja el entendimiento de todo sentimiento , el individuo parece aproximarse y modifica aquello hallado para reducir toda expresión con la finalidad de dar a todo sentimiento una cualidad que transgrede la geometría del discurso y apela a la vacilación de una situación real o imaginaria.

Koizumi amaga con el recuerdo, lo pausa, y explora la posibilidad del momento en un proceso de reconstrucción de la experiencia.

jueves, 4 de febrero de 2016

Meiro Koizumi en una contradicción consiente



La obra de Meiro Koizumi tiene muchos matices conceptuales, va desde reflexiones arquetípicas en relación a nuestros días: fenómeno de masas, redes sociales; el ser individuo frente a una hibridación en tiempos globalizados y con todo ello la histeria que genera la soledad y la falta de una comunicación con el otro a nivel de lo realmente tangible o sublime. Por otro lado, genera un frente de tensión con cuestiones propias de su cultura, tradición Vs modernidad, que difícilmente podríamos entender ya que solo podemos capturar una noción de lo que es el –valor— para un guerrero Kamikaze, reflejo de una tradición samurái histórica cultural.
Koizumi busca exponer estas nociones a partir de video instalaciones y performances, en ellas establece puntos de dialogo y de meditación. A partir de su imaginación en estado de emancipación pretende comunicar la autonomía de su arte usando el aparato de comunicación masiva.  En un contexto que a mi parecer, es una “contradicción consiente” que construye para uso del espectador.

Edward Burtynsky y el mundo del consumo




Los proyectos artísticos de Edward Burtynsky se materializan a través de la fotografía y el video en ellos plasma una visión que gira en torno al ser humano su quehacer hipermoderno, en un sentido capitalista e industrial. Los pone en evidencia con cierto distanciamiento que proporciona la ventaja de ser espectador. Usa medios fotográficos y fílmicos sofisticados, logrando así captar una imagen sumamente dramática e hiperrealista, muy en sintonía de una narrativa histórica mediática que gira en torno a una espectacularidad en el consumo del arte contemporáneo.
La crítica puede ser perniciosa, pero las relaciones con las personas y los objetos están estigmatizadas por una lógica de consumo que incluso la crítica de estos, en el fondo, no pretende generar un contra-modelo.